El Gato con Botas

Uno de los últimos estrenos del año en el ámbito de la animación digital fue nada menos que ‘El Gato con Botas’ de los estudios Dreamworks. Gran parte del éxito de la saga de Shrek en el cine de animación, ha sido la inclusión de personajes de otros cuentos infantiles que han vivido en la literatura de este mercado ya durante muchos años. Recordemos que en la serie del ogro color musgo, hemos visto entre otros a Pinocho, a los ratones ciegos, al espejo mágico de Blanca Nieves, a varias de las princesas más famosas y por supuesto a nuestra estrella del momento ‘el gato con botas’.

Como primer personaje coprotagonista de Shrek que consigue su propia película (hablando por supuesto de las producciones de Dreamworks), es el legendario felino espadachín que gracias a su innegable simpatía, alentada sobre todo en las últimas producciones del ogro.

Nos encontramos ante un divertido cuento sobre la historia de este singular personaje desde su infancia y con los pormenores de su furtiva actividad como paladín de la justicia pero con la particularidad de ser un prófugo de la misma gracias a su accidentada amistad con el huevo Humpy Dumpy (sí, ese huevo del estribillo en nuestras clases de inglés básico) que en esta película juega el doble y ambiguo rol de co-protagonista y antagónico.

Fiel a la la línea trazada por Shrek, ‘El gato con botas’ también apoya su estructura argumental en la literatura infantil conocida (por cierto cada vez menos) entremezclando cuentos y personajes como los frijoles mágicos, la gallina de los huevos de oro, por supuesto ‘el gato con botas’ y tal vez un poco de ‘el zorro’ con su propia cuota de fantasía literaria.

La línea de tiempo transcurre entre flashbacks y divertidos gags con este españolísimo personaje que nos habla con la voz de Antonio Banderas, quien por cierto vuelve a coincidir con Salma Hayek luego de aquellas películas del Mariachi (Desperado y Erase una vez en México) del aclamado director Robert Rodríguez. Salma recrea la sexy voz de la gatita ‘Kity patitas suaves’ que viene a aderezar este platillo gatuno. Este par de felinos tienen emocionantes secuencias de acción, esgrima y también de baile flamenco.

Ya antes he mencionado que el diseño de los personajes de Dreamworks son menos afortunados que los utilizados por Pixar, me parecen de expresiones muy duras que lucen menos amigables con su principal mercado que son los niños, claro que no es el caso para Gato o Kity pero casi todos los demás si lo son. Una prueba muy palpable de que digo, es la cantidad de mercadería de estos ya que es mucho menor que la que presenta su principal competidor aunque es justo reconocer que la temática de sus narraciones es un tanto diferente. Pero no me digas que personajes como Imelda, la ‘mamá’ adoptiva de Gato al igual que los forajidos Jack y Jill, no lucen tan rudas como el mismísimo Randy Orton de la WWE. Dejando eso ya en el plano del estilo estético, es justo reconocer la gran calidad de la animación digital que no desmerece con ninguna producción de reciente manufactura.

Altamente satisfactorio resulta ver en los créditos del filme, el nombre de Guillermo del Toro, este destacado productor y director tapatío precisamente en el rango de la producción ejecutiva así como intepretando en voz al comandante de San Ricardo.

‘El Gato con Botas’ es una divertida apuesta para este periodo vacacional de invierno que cumplirá con las expectativas de diversión de niños vacacionistas, adultos fanáticos del género (yo levanto la mano) y dueños de gatos domésticos que seguramente mezclarán wiskas con sus ‘palomitas’* en el platón botanero. Prrrrrr 

* Las 'palomitas' son conocidas en otros países también como 'pochoclos'

Cineminuto Ambulante 2012

PROXIMAMENTE EN TU CIUDAD

El Caballero de la Noche Asciende. Trailer

Ha estado ya circulando por los principales sitios y blogs de cine y entretenimiento de todo el mundo este nuevo trailer de la tercera entrega de la serie sobre 'Batman' según la visión de Christopher Nolan, que a mi juicio personal es lo mejor que hay. Se anuncia su estreno para el verano del 2012 y según sus propios antecedentes la espera valdrá la pena para los amantes del género y para los fans de Nolan. Ahora solo queda esperar que transcurra el tiempo.

CONTAGIO

Hace Días fui a ver la película ‘Contagio’ del director norteamericano Steven Soderbergh. No es difícil imaginar el tema básico sobre el cual gira la historia de este film partiendo solamente del título y para ser honesto poco aporta a la cada vez más gruesa lista de cintas del género.

Algo que resulta muy notorio incluso desde el principio, es el elenco que está muy nutrido de actores y actrices con buen cartel en el cine de Hollywood: Gwyneth Paltrow, Kate Winslet, Jude Law, Matt Damon, Laurence Fishburne, Marion Cotillard por citar a los más renombrados.

La secuencia narrativa a pesar de ser explícita, llega a caer con frecuencia en somníferos pantanos que solo consiguen perder el ritmo de angustia permanente que se supone viene implícita en la gravedad del tema.

El director se  dedica en un principio a ‘abrir puertas’ que después ya no consigue cerrar, es decir presenta personajes a los que dota de aparente importancia para la línea argumental pero después los va abandonando hasta dejarte al final preguntándote ¿Y que pasó con fulano? ¿Y qué pasó con su protagonismo?

'Contagio', muestra el fenómeno de una pandemia observada desde las diferentes aristas ya que no es solo un problema de salud pública sino que involucra hasta tópicos de desigualdad social, industria farmaceutica y comunicación masiva sin menospreciar incluso los dramas del corazón.

Me parece que hay aspectos en los que no hay mucha claridad y aunque siempre se agradece que las historias no sean tan obvias, ésta en particular no pareció que gozara de ese plus que te invita a pensarla o a reflexionar acerca de la creatividad de sus planteamientos.

Admito que el hecho de ver en ese epílogo a actrices como Paltrow y Winslet es algo de lo más sorprendente que he visto en los personajes desarrollados por estas buenas y bellas actrices (buenas = talentosas), definitivamente no es nada común y que habla muy bién de ellas que renuncian a la vanidad y dejan su aportación histriónica en buen estatus.

En momentos creo que debería volver a verla porque tal vez hubo detalles que no creo haber visto en esta oportunidad y eso porque la forma de contar la historia no me atrapó de tal manera que mantuviera mi atención al 100%. Lo cierto es que la cantidad de historias del tipo de  ‘Contagio’ no hacen a ésta la más apetecible.

Me gustaría ver alguna recomendación de parte de alguno de los lectores de este foro. Te mando un saludo desde Cinécuaro.

80 Años de Cine Sonoro en México

Les comparto este video de la conmemoración de los 80 años de tener cine con sonido en nuestro México lindo y que-herido, es un trabajo básicamente de animación donde se prioriza al sonido y con esto dar entrada a los eventos relacionados con este acontecimiento. La producción es del Instituto Mexicano de Cinematografía y otras instancias relacionadas como CONACULTA, la UNAM y los Estudios Churubusco.

El Encanto de la Bestia -o el bestial desencanto-

Las chicas podrán recrearse la pupila un momento pero solo eso

Algo peor que no alcanzar lugar en una sala para ver la película de tu elección es equivocarte en la improvisación y ver algo que lejos de divertirte hasta llega a molestar. A mitad de esta semana me vi obligado a cambiar súbitamente mis planes para ver una determinada cinta y por decidir sobre la marcha otra función para suplir el imprevisto, me dejé llevar por un título que tal vez parecía de alguna película de horror…pero más bién fue un error. Cuando creía haber visto mi cuota de películas malas caí una vez más en un verdadero churro (mexicana expresión para definir una mala película).

‘El encanto de la bestia’ es el título de este mal platillo cuyo título original es ‘Beastly’. Se trata de una teen movie pero pesimamente dirigida e insulsamente actuada por un grupo de jóvenes actores que francamente han sido desaprovechados en una trama que prometía mucho más y que al final se fue por la vía fácil. De inicio se plantea un conflicto que parecía interesante al enfrentar un razgo de la soberbia humana con fuerzas esotéricas en atractivos personajes que merecían mejor destino. Por un lado Alex Pettyfer encarna al narcisita y prepotente Kyle Kingson, el chico más popular de la escuela, guapo y con un ego formado solidamente de espejos y frivolidad, por el otro lado la misteriosa y desgarbada Kendra, una inquietante chica que resulta ser la antítesis de Kyle y al cual se ve enfrentada en una contienda electoral estudiantil. De este choque de intereses y personalidades se avisoraba algún conflicto aprovechable. Incluso en el soundtrack, el inicio de la acción se deja sentir un rápido heavy metal que ayuda en la promesa de un mejor destino, pero conforme avanzaban los minutos la historia comenzó a caer y a caer hasta dejar una de las peores cintas del 2011, insulsa, cursi, melosa y con pésimos diálogos, un guión muy flojo que desaprovecha no solo a los actores sino a los personajes. Kendra la intrigante hechicera rubia interpretada por Mary-Kate Olsen da pie al meollo del asunto pero incomprensiblemente tiene solo esporádicas apariciones en las cuales por cierto no logra despuntar a un antagónico recordable del cual se desconoce su origen, su contexto, su motivación y por ende su razón de ser.

Vanessa Hudgens hace el equivalente al papel de Kristen Stewart en la saga de ‘Crepúsculo’ una chica algo ñoña, que viene a ocupar el centro de las miradas con su personaje totalmente carente de interés para ser el protagónico femenino en un largometraje actual. Toda esta producción fallida se pudo haber evitado en algún capítulo de High School musical.

Como colofón de este comentario solo diré que para regocijo de los fans de ‘Crepúsculo’, Beastly viene a relevarle en el ‘puesto’ que ostentaba y que no tendrá ni remotamente las legiones de seguidores que Edward Cullen, Bella Swan y familia que les acompañan ya poseen.

Terry Gilliam en el 8º Festival Internacional de Cine de Morelia

Segmento del Programa especializado en cine Mexicano 'Cine-Secuencias' de canal 22 que presentó parte de la intervención del director norteamericano Terry Gilliam en el marco de este importante Festival precísamente en su octava edición

El planeta de los simios Re-evolución

Cuando ya hemos visto mucho material de esta temática, vuelve a la carga un casi clásico del cine de ciencia ficción: ‘El Planeta de los Simios’ esta vez en lo que se evidencia una precuela de lo ya conocido en aquella cinta estelarizada por Charlton Heston en 1968. Luego, y debido al éxito del film, la serie de TV de la década de los 70’s, y más recientemente la versión de Tim Burton estelarizada por Mark Whalberg y Estella Warren. En términos generales la temática central había girado sobre una visión post-apocalíptica de la tierra dominada plenamente por simios que ahora someten a la raza humana de manera similar a como históricamente los hemos tratado a ellos (los simios) o incluso peor.
Aquellos lectores que pudieron ver la serie de TV principalmente, seguramente recordarán que toda la acción inicia ya con ese nuevo orden o regiduría del planeta tierra y al igual que en las películas muy poco se menciona al origen de esta distopía*.
Aprovechando esta ‘laguna’ argumental los productores de Fox lanzan su propia versión de la historia pero -según ellos- sin estar ligada a intentos anteriores, aunque claramente la trama de esta obra está centrada en el orígen de la desarrollada inteligencia de los simios y que da rumbo a la subsecuente ficción.
Con la tecnología CGI (computer generated images), la representación de las diferentes especies de monos que aparecen en la película (chimpancés, orangutanes y gorilas) alcanza un muy aceptable nivel de realismo que adereza de manera interesante a la historia.
‘El planeta de los simios’ es una aventura de ciencia ficción que nuevamente plantea los temores humanos a los riesgos en procesos de investigación científica en los diferentes ámbitos del desarrollo humano. Ya hemos visto diversos ejemplos principalmente en historietas o comics como Hulk, Godzilla, Spiderman que son experimentos que se salen de control y terminan dando pie a historias en el terreno del cine y la televisión.
El planeta de los simios ‘Re-evolución’ es una cinta que coloquialmente citamos como ‘palomera’, tiene los ingredientes necesarios para hacernos pasar un rato de entretenimiento sin demasiada exigencia.
Algo de lo que me pareció más interesante es el autocuestionamiento que se hace el simio César (¡¿Queé...?!) acerca de su estatus indefinido en una sociedad regida por su pariente cercano el hombre, que no por ser pariente le da trato preferencial. De eso se desprende un breve diálogo de la guapa Dra.Caroline Aranha (Freida Pinto) con Will Rodman (James Franco) acerca de la conveniencia de mantener distantes la naturaleza salvaje de los simios de la convivencia social humana. Lo anterior puede llegar a ser punto de seria reflexión, toda vez que la naturaleza humana cada vez más, da muestras de un inusitado salvajismo que aún en los animales no logra verse, desprendido de su necesidad de alimentarse y luchar por su propia supervivencia o la de su especie.
Hay ciertos argumentos de tipo científico que permiten comprender los riesgos que las neurociencias y la biotecnología están tomando en pos de una mejor calidad de vida para pacientes con Alzheimer por ejemplo. De algo como lo anterior se nutre el tema central para desarrollar esta historia, lograda con secuencias vistosas principalmente por las animaciones híbridas entre actor-animador para hacer actuar a un puñado de simios que de manera poco creíble se encuentran en tal cantidad en un solo lugar que hacen ver una invasión de monos como si no fueran especies de muy baja población en cautiverio.
Actoralmente los únicos que logran destacar son John Lithgow como el padre enfermo del doctor Rodman, Tom Felton (el rubio pedante de Harry Potter) como el ‘celador’ mala-leche y por supuesto y de manera especial Andy Serkis al ser el ‘interprete’ de Cesar, el simio protagonista de esta ficción y que navega por un amplio espectro de estados de ánimo.
En una escala del uno al cinco le doy tres y medio, es entretenida pero creo que no será muy memorable.


* Una distopía, llamada también antiutopía, es una utopía perversa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal.

 

MEDIANOCHE EN PARIS

Definitivamente hay lugares en el mundo que con su mágica esencia son capaces de inspirar las más apasionadas manifestaciones del espíritu humano ya sea en las artes como en la ciencias o incluso en la política por mencionar algunas. Sin lugar a dudas Paris, citada por muchos como la ciudad más hermosa del mundo, es también considerada como la capital mundial de diversas expresiones artísticas que en distintas épocas ha albergado vanguardias surgidas en las mismas calles, cafés, tabernas y centros nocturnos que cautivaron igualmente a grandes maestros de la plástica como de la literatura, la música y en general de todas las bellas artes.

En el cine, grandes muestras del patrimonio histórico han tenido como escenario principal las calles de la capital francesa en prácticamente todos los géneros, desde la comedia (‘La pantera Rosa’; Blake Edwards, 1963) hasta la animación digital (‘Ratatouille’; Brad Bird, 2007) pasando por la intriga y el drama (‘El último tango en Paris’; Bernardo Bertolucci ,1972, ‘Búsqueda Frenética’; Roman Polanski,1988) solo por citar algunas de las más de 600 cintas que han tenido lugar en esta cosmopolita ciudad.

En este 2011, llega a las pantallas del mundo una exquisita comedia muy al estilo de Woody Allen y que lleva por nombre ‘Media Noche en Paris’ (Midnight in Paris) . Aparte del nombre estelar de su guionista y director, esta película es presentada en el programa de apertura del Festival de Cannes 2011 lo que viene a darle un importante espaldarazo inicial.

En esta lúdica historia, Allen le da rienda suelta a su cinematografía al llevarnos de paseo por las rúas parísinas lo mismo de día que de noche pero también en el pasado y el presente de una manera muy original acompañados por algunos de los protagonistas de la historia que dan a Paris esa merecida fama de metrópolis cultural. Una narración sencilla, sin complejidades argumentales pero salpicadas del agudo ingenio de Woody Allen que divertidamente fantasea con la relatividad del tiempo inducida tal vez por algunas copas de tinto francés.

En cierto modo el apocado Gil Pender, guionista de profesión y aspirante a novelista representa en buena medida a la personalidad de Allen, tímido, inseguro con las mujeres pero tenaz en sus ‘emprendimientos’ literarios. Debo admitir que cada vez que veo a Owen Wilson en la pantalla me convenzo más de que me desagrada como actor, poco ‘vibrante’ en su desempeño y muy plano en su apariencia. Aunque en teoría parece apropiado para el papel, creo que fácilmente pudo haber tenido otro actor con mejores cualidades, pero claro, tanto el director como los encargados del casting están para hacer su trabajo. Por lo demás, el resto del reparto es una variada selección de rostros nuevos y algunos más conocidos, incluso en la parte francesa, en un inquietante papel aparece Marion Cotillard que aparte de buena actriz posee esa belleza nostálgica que le confiere un encanto muy especial. Aparece también el comediante de origen marroquí Gad Elmaleh estrella de ‘Mi gran fiesta Judía’ (Coco) aunque ahora en un pequeño papel como detective, además como atractivo plus, Allen se obsequia la aristocrática presencia de nada menos que la primera dama francesa Carla Bruni.

Los personajes caracterizados llevan un peso medular en la historia y Woody Allen logra una magistral dirección de cada uno de ellos, me cautivó el papel desempeñado por Adrien Brody como Salvador Dalí, que aunque es relativamente breve consigue trasmitir esa excéntrica personalidad del surrealista catalán.

Otro de los elementos que hacen entrañable a esta producción es el soundtrack ya que se pone a tono con la historia y con las locaciones. Medianoche en Paris es una excelente recomendación que aunque tiene clasificación ‘A’ no es para todo público, pero a ti estimadazo lector creo que te va a gustar si no la has visto, puedes llevar a tu pareja independientemente del estatus civil, también te puedes acompañar de tus hijos, o padres o colegas y hasta en solitario resulta una historia magnética sobre todo si logras identificar a mas de tres de los personajes aludidos. 

No olvides baguette y algún blanc de blancs para redondear el festín. Au revoir

VERANO 2011 Kung Fu Panda 2 -Héroe en blanco y negro-

Luego de posicionarse como uno de los éxitos más sonados de los estudios Dreamworks, llegó la saga de Kung Fu Panda entre los estrenos del verano 2011. La primera parte termina con el advenimiento del simpático Po como el ‘Guerrero Dragón’ y con la derrota del casi invencible Tai Lung, la paz en la milenaria China parecía quedar en seguro resguardo con nuestro apapachable panda y su temible guardia de guerreros: los 5 furiosos. Pero como ya es bién sabido, tanto en el cine como en la vida real, el mal no descansa y luego de un ilusorio receso, aparece en escena un singular villano en la frágil apariencia de otro animal muy propio de la cultura china, el pavo real.

En términos generales, Kung Fu Panda 2 vuelve a sacudir la fórmula del temible cerebro del mal que se dedica a asolar a los pacíficos pueblos de la campiña oriental con robos, maltratos y otras lindezas surgidas de las retorcidas mentes de este nuevo capo.

Algo de lo nuevo que tiene este cuento chino, es que retoma los orígenes del bonachón panda Po y que por cierto genera una de las escenas de inusual dramatismo para una cinta mayormente dirigida a un auditorio infantil. Estoy seguro que más de alguno de los asistentes discretamente derramaron una lagrimita en ese intenso clímax familiar (yo solo llegué al nudo gutural).

En general se trata de una divertida historia animada en 3D que nuevamente nos introduce en la añeja cultura china principalmente en un ambiente rural y por supuesto vividamente representada en su variada fauna y en su arraigado gusto por las artes marciales .

Visualmente es muy atractiva ya que el trabajo de animación, así como el sonido y el ritmo de la narración vuelven a dar muestra del cuidado que Dreamworks está poniendo por no quedarse a la saga en la dura competencia con Disney-Pixar que también estrenó Cars 2 en los primeros días del verano 2011.

CINEMINUTO DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MORELIA 2011

Todavía 'calientito' les presento el tradicional Cineminuto de la edición 2011 del FICM, nuevamente en una vistosa animación. Los invitamos a darse una vuelta por estas tierras y participar de este cinefestival que cada año se pone mejor y tal vez hasta podamos conocernos. Saludos

VERANO 2011, 'Súper 8', súper aventura retro

 

Aunque no estoy respetando mucho la cronología de las películas que he visto este verano, me pareció muy apropiado sacar a relucir este comentario de una muy buena cinta digna de lo que Brian Adams sugiere como ‘best days of my life’ en su conocida y enorme rola Summer of ‘69 (aclaro que en la letra de dicha rola se refiere seguramente a ‘su’ vida) ya que de algún modo todos hemos tenido esos años que con nostalgia recordamos como los mejores de nuestra existencia. Creo que muchos ahora cuarentones, anticipados y remisos disfrutarán cariñosamente esta historia muy de época, tanto por su temática como por la moda, la música, el hardware y en general el ambiente de esa época de entre los años 70’s y 80`s. Debo apuntar en honor a la verdad que es una historia para jóvenes de cualquier edad, lo mismo para modelos clásicos que para pubertos siglo XXI, el chiste es dejarse llevar y permitir que la corriente fluya.

Bajo la experta mano de Steven Spielberg, el director J.J. Abrams, responsable del éxito de la TV serie ‘Lost’, logra una película de aventuras, suspenso y ciencia ficción de interesante narrativa acompañada de un llamativo soundtrack con hits que pegaron con tubo y que aún habitan en el subconsciente colectivo y también en nuestros viejos cassets que tocábamos en el walkman.

Me parece que en esta producción, Abrams homenajea a varias películas de las décadas señaladas líneas arriba como ET (el protagonista juvenil me recordó mucho a Elliot), ‘Stand by me’, ‘Los Goonies’, etc. con una historia que de entrada yo recomendaría ver con las reservas del caso, es decir, no es una descripción netamente dramática pero si con un interesante manejo del suspense, no es una comedia pero sí tiene momentos de discreto y fino humor, no es histórica pero sí involucra tópicos y situaciones que durante años han enraizado en la cultura norteamericana, especialmente la sicosis por el avance comunista y/o el inquietante caso de el ‘Area 51’.

La historia, de la que no contaré más en este espacio, gira alrededor del grupo de chavos que se encuentran rodando una película en el formato que le da nombre a la producción y que en ese tiempo era de lo poco que estaba a la mano casi de cualquier aficionado. Me gustó ver el ardiente ánimo por llevar a cabo esta auto-ecomienda por parte del juvenil staff, tal vez sea la representación de los inicios de alguno de los autores de la película.

El ritmo con el que está llevada la narración practicamente no se cae durante todo el metraje aunque tiene sus tiempos de retomar aliento.

Como podrás darte cuenta estimado lector lectora, he quedado gratamente impresionado de este film por lo cual y sin muestras de mínimo pudor, me permito recomendarte para los fines que juzgues pertinentes.

Llévate tus Jordache, tus top sailer y por supuesto el walkman pero no lo prendas sino hasta que terminen los créditos, ahí sigue la diversión.

VERANO 2011 - Cars 2, la vuelta al mundo en cuatro llantas-

Con la llegada de las vacaciones veraniegas, llega también una andanada de cine dirigido a las audiencias que se ven liberadas temporalmente de sus compromisos escolares (benditas infancia y pubertad). Este 2011 trajo consigo, varias secuelas de películas que ya antes habían iniciado su andar por las salas de cine. Por supuesto también hay estrenos totalmente originales pero me permitiré comentarles 4 de estos estrenos de la temporada vacacional de verano.

CARS 2

De la serie de películas de la colección Disney Pixar, solo dos de ellas han sido prolongadas con segunda parte y en el caso particular de ‘Toy Story’ hasta de un tercer capítulo, de muy buena calidad en todos los sentidos por cierto.

Pues bien, aunque a muchos les parezca sorpresivo la otra merecedora de una secuela de esta exitosa dupla de cine famliar (Disney Pixar) es nada menos que Cars, lo cual a muchas personas les ha parecido extraño por no decir incomprensible o injusto dado que en las estadísticas netamente de exhibición parece ser que no ha sido de las más favorecidas. Recuerdo haber visto algunas encuestas de preferencia hacia las películas de Pixar y también comentarios del público en algunas publicaciones al respecto y Cars no es precísamente la más querida. En lo personal encuentro muy difícil hacer un ranking de historias Pixar pero de lo que sí estoy seguro es que a diferencia de lo antes descrito, YO si pongo a Cars en mis top 3, me gusta muchísimo este cuento animado, encuentro muchos elementos que en lo personal disfruto en grande. Aunque no es el momento de hacer una disección de esta preferencia, solo mencionaré que la sicología del personaje ‘Guido’, el pequeño montacargas italiano me ha encantado desde la primera cinta, o tal vez, particularmente en la primera.

En defensa de Cars, solo diré que para disfrutarla plenamente ayuda mucho estar familiarizado en cierta medida con el mundo automovilístico, se perciben muchos detalles que por obvias razones le ponen mayor trasfondo.

En Cars 2, la historia toma nuevas trayectorias que le permiten un sano ‘refresh’ al contexto de los ‘cochecitos que hablan’, se trata de una entretenida historia de intriga internacional con todos los ingredientes del mejor cine de aventuras, espías, misteriosos villanos y por supuesto, heroicos protagonistas. Algo que deveras destaca de una manera especial es en la parte técnica de la producción: el gran detalle en la construcción de los escenarios. El equipo de técnicos, modeladores, diseñadores, animadores y seguramente una excelente asesoría de arquitectos, han logrado algo de lo mejor que se ha hecho en la historia de la animación digital. Es una verdaera maravilla lo que podemos ver en pantalla y como ingrediente adicional verlo en 3D realmente vale la pena.

En materia argumental, ya mencionaba un giro a lo que fue la historia original, ahora salen de ‘Radiador Springs’ y se van practicamente a recorrer el mundo, por supuesto y de acuerdo a la historia ya podemos encontrar otro tipo de personajes protaginizados por supuesto, por diferentes marcas y modelos de la industria automotriz internacional, admito que me gustó ver a un personaje mexicano en una breve pero ‘oportuna ‘ aparición, también un poco para animar al ego, hay un personaje que lleva mi nombre grabado en su logo (seguramente era rusa esa grúa).

Mucho que comentar de cualquier cinta de Disney Pixar pero mucho más por disfrutarlas en la sala de cine, Cars 2 es una muy buena aportación al género, seguramente lo veremos en la terna a los principales premios de la industria y seguramente algo irá a parar a sus anaqueles con esta saga de autos que se saben conducir con mucha simpatía.

El Bloque, segmento en el programa 'Cine-Secuencias' de canal 22, Mexico

Este programa de Cine-secuencias es una buena muestra de la actualidad del cine mexicano, es del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y que se trasmite por el canal 22 los jueves a las 21:30 hrs. Por aquí en Cinécuaro no llega la señal a menos que se tenga cable o televisión satelital como Sky o Dish, aunque lo programa el canal 2 del Sistema Michoacano de Radio y Televisón con casi una semana de retraso, confieso que ultimamente no lo he visto, espero que aunque sea diferido, lo sigan proyectando.

Este post es para presentar a el grupo de animadores mexicanos denominado 'El Bloque' en este especial de Cine-secuencias.

Escena de STAR WARS al estilo cine mudo.

Interesante planteamiento de esta crucial escena de Star Wars y cómo se hubiera visto en los primeros años del cinematógrafo. Gracias a nuestro blog amigo Mainly Echo de donde obtuve el link (de su cuenta Facebook para ser exactos)

'8 minutos antes de morir' -o, 'si ese tiempo pudiera volver'-

Hace ya muchos días que fui a ver esta película que para este momento tal vez haya salido de cartelera pero no por eso voy a ignorarla en este espacio.

De nueva cuenta me veo frente a una historia donde se trata el asunto de la relatividad del tiempo y su hipotética aplicación en la milicia. Anteriormente en este espacio comenté acerca de ‘Terminator’, de cómo plantean la teoría del tiempo que luego de transcurrido puede volver sobre si mismo para posiblemente ser modificado y con esto cambiar también algunas situaciones de pasado y por consecuencia del futuro.

Aún cuando es un argumento que se digiere con mucha lentitud en contraste con el ritmo de la película, la estructura utilizada en la producción permite mantenerse dentro de la trama y repasar varias veces el meollo planteado en esta ensalada de física cuantica policiaca.

Algo de lo que me pareció más interesante de esta historia, es el planteamiento de preguntarse si podemos ser útiles incluso después de morir. En la película referida, no solo se trata de examinar esta posibilidad sino también de cómo serían las condiciones y son las respuestas a estas interrogantes las que dan forma y fondo a ‘8 minutos antes de morir'.

Las acciones principales de la cinta no requirieron muchas locaciones, de hecho, gran parte de la acción transcurre en el interior de una empresa contratista que presta servicios de seguridad basada en novedosos sistemas de biotecnología y neurociencias. Esto es algo que veremos cada vez más de ahora en adelante (claro ya antes vimos a robocop, a terminator y hasta a astroboy).

En el protagónico aparece este actor Jake Gyllenhaal quien anteriormente estelarizó cintas como Brokeback Mountain y el Príncipe de Persia. Parece que en ‘8 minutos antes de morir’, es el único personaje con tiempo y espacio para desarrollar completamente un papel dramático ya que en el caso de los otros personajes quedan demasiado arrinconados por la misma historia.

Aún cuando es una narración cíclica en un breve espacio de tiempo y escenarios ‘8 minutos antes de morir’ resulta una película entretenida y que no deja que sueltes la punta de la madeja argumental que es en realidad su mayor fortaleza.

Si te hacen feliz esos galimatías mentales de ‘muera ahora y nazca después’ con historias de suspenso y acción, no dejes de verla, lo mismo si te gustan las féminas de atractivo intelecto y madurez como a tu servidor que disfruté mucho la presencia de Vera Farmiga.

Creo que ya debes buscarla en el video club de tu preferencia; disculpa la demora.

FAST FIVE: sigue rápido y sigue furioso

Paul Walker y Vin Diesel en una escena de esta quinta entrega. ¿Alguien identifica este auto?

Reseñar una película como Fast anf Furious 5 es algo ambiguo, por un lado se nota a leguas que es una superproducción diseñada y dirigida a un mercado muy definido que dificilmente la dejará pasar, es un producto netamente de entretenimiento pero llevada a cabo con altos estándares de exigencia aunque unicamente en las secuencias de acción que en esta cinta ocupan un alto porcentaje de la duración. El trabajo con stuntmans, con especialistas en efectos especiales, con camarógrafos, con extras y con todo ese personal que permite una historia de alto impacto audiovisual la hacen destacable en éste género que acarrea miles de boletos vendidos en las salas cinematográficas. En lo personal, yo destaco esa parte del trabajo de producción. Aprueba.

Por supuesto que una obra cinematográfica debería redondearse con una historia que contenga elementos mínimos de trabajo literario que fortalezca la narración verosímil del argumento. Es en esto donde la quinta entrega de esta saga rápida y furiosa flaquea de manera más evidente. Es verdad que cuando uno se encuentra oootra película con estos retomados elementos, de antemano debe saber que la balanza se inclinará abrumadoramente del lado de la espectacularidad que de la calidad literaria. Si asumimos esta premisa de origen, nos evitaremos malos entendidos. La mayoría de los personajes ya son conocidos desde el principio de la franquicia, son pocas las novedades y entre estas últimas destaca la presencia de Dwayne Johnson ‘The Rock’ que viene a representar un serio antagonista para Vin Diesel que interpreta al casi legendario Dominic Toretto luego de que su antiguo rival Brian O’Conner (Paul Walker) ahora es algo más que su brazo derecho. Otro punto fuerte de Fast and Furious 5 es la elección de Río de Janeiro como campo de acción. Siempre resulta fascinante ver esos cerros forrados con las misteriosas favelas que son mundos paralelos dentro de una misma sociedad y este ingrediente le pone un sabor exótico a la aventura.

Pues ya lo sabes amigo lector lectora, si andas con el ánimo de experimentar algo de adrenalina, testosterona, progesterona (también las chicas se dan su taco de ojo) mientras reposa la neurona, te esperan poco más de dos horas de pólvora, gasolina, sudor, madrazos a discreción y por supuesto muscle cars, tal vez todavía alcances en cartelera Fast and Furious 5, que dicho sea de paso, otra vez deja entreabierta la puerta para alguna secuela....Uffff!!

La filmografia de Stanley Kubrick

Stanley Kubrick - a filmography - from mwoutisseth on Vimeo.

Les comparto esta atractiva animación-presentación realizada a partir de la filmografía de Stanley Kubrick tomando imágenes significativas de cada una de las historias dirigidas por este influyente realizador norteamericano. Estoy seguro que por lo menos alguna de ellas todos habremos visto a lo largo de nuestra vida. Por supuesto, con dedicatoria especial para los verdaderos fans.

Publicidad de Thor inspirada en anuncio de VW...divertido

Deveras que la versión mini Darth Vader que VW transmitió en ocasión del más reciente Super Bowl causó un verdadero furor, aquí en este anuncio de la película Thor vemos otra de las variantes que se han realizado a partir del famoso spot, también divertida por cierto.

RIO, Animada animación a ritmo de samba

Con la primavera y su calurosa temperatura llega también esta divertida película de animación de los estudios Blue Sky, los mismos de la trilogía de la ‘Era del Hielo’. Por supuesto, ahora dejan de lado todo lo que tenga que ver con frío y se van nada menos que a Brasil en temporada de carnaval con esta fantasía de aves y demás fauna tropical llamada sencillamente ‘Río’. 

Nuevamente tenemos ante nosotros una cinta de animación 3D técnicamente muy bién elaborada y artísticamente llevada a buen nivel como un producto de entretenimiento para todas las edades con una historia sencilla pero contada con un ritmo ágil, digerible.

El diseño de los personajes los hace atractivos y carismáticos, ahora los estelares son dos exóticas guacamayas azules que aunque viven en contextos muy diferentes se ven orillados a encontrarse e iniciar una divertida aventura en el país de la samba. Blu y Perla no solo son de distinto sexo sino de costumbres totalmente diferentes por lo cual pasarán toda clase de aventuras y desventuras para mantener su especie fuera de la amenazante extinción que se cierne sobre sus cabezas. Este argumento de la extinción de las especies permite a RIO trazar una historia que no solo divierte sino que de algún modo también nos muestra el lado oscuro del tráfico de especies que se vive de manera peligrosa sobre todo en países en desarrollo debido a las condiciones de pobreza imperantes y que algunos pobladores ven en la demanda de animales exóticos una alternativa de agenciarse dinero que inside de manera negativa en la biodiversidad de sus propios recursos naturales. En México, en toda latinoamérica y por supuesto en Africa, este problema es algo latente y cotidiano, de ahí la importancia de exhibir el mensaje sobre todo a las nuevas generaciones para que crezcan con una conciencia más enfocada a la ecología y a la conservación de las especies, en ese sentido me gustó mucho RIO, máxime que ha sido narrada en forma divertida que la hacen una de las mejores alternativas en el género de animación y cine clasificación “A” en este 2011, claro todavía habrá que esperar lo que dice Disney-Pixar con ‘Cars 2’ que ya tiene algunos meses en campaña de promoción.

Otro punto destacable es el soundtrack ya que aparte del ritmo sabrosón, juega un papel fundamental en la edición general. Hay piezas de Sergio Méndes y de Carlinhos Brown entre otros que le ponen ese alegre sabor y ambiente tan característico de Río de Janeiro.

Muy disfrutable historia dirigida por Carlos Saldanha con agradables criaturas y con todo el calor del carnaval carioca, ideal para llevar a tus chaparros porque seguramente saldrán con una sonrisa en la cara en este periodo de asueto escolar y de paso los convences de ayudar con las mascotas de casa.

Les presento este trailer de lo que parece ser una precuela de las cintas existentes de "El planeta de los simios" Se espera el estreno  para el último cuarto de este 2011, como podrás ver el elenco está encabezado por James Franco, luego de su aparición en la exitosa "127 horas"; también aparece la guapa Freida Pinto a quien recordamos de "Slumdog millionaire" y a Tom Felton el güero pesadón  y eterno antagonista de Harry Poter. Tal vez la curiosidad nos haga volver la atención a ootra cinta de simios, esperemos a que lleguen los tiempos a ver que sucede.

Salvando al soldado Pérez -¡Salvemos al director Gómez!-

Miguel Rodarte como Julian Pérez

Luego del evidente apogeo de cine mexicano que hemos estado experimentando en últimas fechas en las que se han producido cintas de diversos géneros que van desde el documental hasta el cine de animación por computadora, pasando por lo histórico, misterio, drama y hasta ciencia ficción (p.ejemplo: “Seres, Génesis” de Ángel Mario Huerta); en el ámbito de la comedia recientemente se presentó ‘Salvando al Soldado Pérez’ una evidente parodia de ‘Rescatando al soldado Ryan’ de Steven Spielberg. De inicio ya desde el título empieza a hacerse predecible incluso el tono de la película. Parece que en este caso en particular, el equipo creativo armó una animada fiesta para proponer el guión e irlo armando a base de choteados gags vistos hasta la saciedad principalmente en programas de comedia de la TV comercial. Por momentos me pareció estar viendo el programa de Israel Jaitovich (el de los tres sketchs en vivo) pero en versión LP. 'Salvando al soldado Pérez' es una larga secuencia de situaciones chistosas más que de humorismo elaborado donde tal vez lo mejor sea la caracterización lograda por Miguel Rodarte del personaje principal: Julián Pérez, el poderoso capo que arma un equipo muy sui generis para lo que facilmente puede adivinarse, salvar al soldado Pérez.

La producción logró conjuntar un interesante elenco encabezado por el mencionado Rodarte y Jesús Ochoa, Jaime Camil, Joaquín Cosío y hasta Adal Ramones.

En lo personal creo que fue un dispendio del presupuesto otorgado ya que ninguno de los personajes (fuera de Rodarte) ni el guión mismo logra desarrollar una buena estructura, más parece una película de fin de semestre por un grupo de cuates donde no puede faltar el gordito simpático (Jesús Ochoa), el nerd almidonado (Camil) el que se ve chistoso en calzones (aquí hubo dos, Adal Ramones y Gerardo Taracena), el que la hace de serio (Juan Carlos Flores como el soldado Juan Pérez), eso si, todos muy mexicanos y muy machos, claro que se trata de una comedia pero aún así deja mucho que desear en este delicado género que en esta ocasión ha sido tomado muy a la ligera.

Tache para Beto Gómez que desaprovechó la oportunidad de mantener una buena calidad de cine en México con este churrotote* chistoso muy distante de “La Ley de Herodes” de Luis Estrada (1999) por ejemplo, que con mucho menos recursos logró una excelente satira política que aún se recuerda con admiración y más cuando vemos estas lamentables propuestas. Por cierto en ambas cintas, aparecen Jesús Ochoa e Isela Vega.

Si no quieres ver “desmadrugados” en la comodidad de tu casa, puedes buscar 'Salvando al soldado Pérez' en cartelera, seguramente te arrancará algunas carcajadas en situaciones muy parecidas y puedes elegir el horario a tu gusto. Pero el daño a tu billetera está advertido.

* Churrotote; churro, así llamamos en México a una película sencillamente mala.

RANGO -como un raro tequila dulce-

Una experiencia en animación 3D con menos sabor acaramelado que gran parte del catálogo actual en este género. Rango es más bién una condimentada sopa ranchera con ingredientes del desierto acompañada con música de mariachi. Se trata de un divertido western animado magistralmente y con personajes muy característicos de la fauna desértica.
Rango es el tipo de soñador que súbitamente se enfrenta a una situación real y que se ve obligado a improvisar en un rol que le llega de golpe y porrazo. Como ya lo decía al principio de la nota, ésta historia es un tanto diferente a las que hemos estado viendo en este tipo de animación digital y no tanto por la temática ya que cada historia es diferente, sino por la manera de contarla. Aunque no deja de ser un cuento lúdico, por momentos me pregunté si era para todo público ya que tiene secuencias en que los dialogos parecen prolongarse más de lo que un infante soporta ecuánime y por esa ambigüedad narrativa, hasta uno que otro adulto, sobre todo por tratarse de una película animada.
Es notable el trabajo en el diseño del personaje principal, este simpático camaleón del cual se desconoce su nombre real, ya que se autonombra "Rango" justo en el momento en el que comienza la trama que da cuerpo a la película. Si no es porque antes lo leímos en los créditos, sería fácil identificarlo con Johnny Depp dada la personalidad simpática, relajada y en momentos hasta enigmática que ambos personajes poseen. Si Depp fuera animal, definitivamente sería un camaleón y concretamente sería Rango.
El trabajo técnico de animación dentro de la cual destaca sobremanera el modelado asi como el tratamiento de texturas y movimientos es muy destacable, baste observar la epidermis de nuestro amigo Rango del cual puede verse con claridad cada una de sus pequeñas escamas y detalles de su piel. Por supuesto, los otros personajes fueron tratados con el mismo cuidado en pelo y dermis. El diseño de los personajes es algo que se diferencía de otras producciones, -sobre todo las de Pixar- ya que son apenas diferenciadas del aspecto real de las criaturas representadas, por ejemplo esa especie de tuza vieja o la misma víbora de cascabel que son realmente intimidantes en esta visión de Gore Verbinski. Es indiscutible que al director no le interesó la mercadotecnia de sus personajes en peluche, excepto quizá Rango que sí se antoja abrazable.
Un momento de climax en la historia es una épica persecución que se desarrolla al ritmo de la “Cabalgata de las Valquirias” de Wagner y que por supuesto resulta espectacular, tal vez lo más memorable de la película, recordando en cierto modo una escena icónica de Mad Max II “el guerrero de la carretera”. Observando con atención hay varios detalles que homenajean a otras producciones como Apocalypse Now, y la breve aparición de alguien idéntico a Clint Eastwood en “el bueno el malo y el feo”.
Una aventura divertida pero creo que no llegará al rango (válgase la mención) de memorable, al ser como la moneda que cayó de canto en la clasificación de audiencias; como un raro... tequila dulce.

EL RITO - más sabe Hopkins por viejo que por diablo-

El cine de terror es uno de los géneros más difíciles aparentemente, se cuentan por cientos los intentos fallidos de lograr buenas historias a partir de provocar miedo o por lo menos alguna sensación de temor. En el intento hemos visto películas que hacen verdaderos carnavales hemáticos, exceso de criaturas monstruosas, historias llenas de fantasía gore que más impresionan por los recursos empleados que por el miedo provocado. En verdad son muy contados los ejemplos exitosos de cine de terror, lo cual hace que esos pocos filmes se consoliden como verdaderos clásicos y mantengan con el paso de los años un status de privilegio y prueba de ello es nada menos que “El exorcista” considerada por muchos (incluyéndome) como la mejor del género, la joya de la corona por decirlo de algún modo.

Con el tema de la posesión demoniaca llega a las pantallas este nuevo intento titulado sencillamente “El Rito”, película norteamericana que según reza en la publicidad, está basada en hechos reales. El lanzamiento en México estuvo encabezado nada menos que por el experiementado actor inglés Anthony Hopkins, quien en un derroche de generosidad profesional estuvo en muchas entrevistas en los principales medios de comunicación mexicanos. Digo derroche profesional porque en las apariciones que alcancé a ver, pude darme cuenta de la paciencia y la buena disposición para atender a todo tipo de entrevistadores, incluyendo a Joaquín López Dóriga de Televisa y su ya famoso “juayderito”. Esto me parece destacable para un hombre de 74 años con una trayectoria de lo más sólida y estable que lo pone como uno de los actores más importantes de la actualidad.

En “El Rito”, Hopkins interpreta a un sacerdote jesuita que se dedica a realizar este enigmático rito del exorcismo nada menos en la histórica Roma. Aunque es coprotagonista, el mayor peso dramático se apoya en su actuación y es gracias a eso que “El Rito” apenas logra pasar a un mediano estado de interés no tanto por el tema, que aunque ya ha sido ampliamente explorado parece ser que no alcanza a despuntar en una historia tan abrumadora y tétrica como prometen los trailers de la cinta. Sir Hopkins logra una interpretación de acuerdo a lo que esperamos de él.

La ambientación en zonas viejas de la capital italiana, recintos dentro del Vaticano, así como una casa funeraria, cadáveres y parafernalia religiosa sugieren una tenebrosa historia estelarizada por un jóven seminarista que parece querer escabullirse de su propio destino. Debido a su talento académico pero seducido por su propio escepticismo Michael Kovak (Colin O’Donoghue), se ve orillado a acudir a un curso de exorcismo en el Vaticano para liberar sin consecuencias su paso por el seminario.

Parece ser que el director no quiso caer en la tentación de la exagerada teatralidad y deja los efectos especiales en un rango discreto que no acaba de teñir de negrura, solo que en la narración tampoco acentúa como para causar serios escalofríos en la conciencia del público, en pocas palabras un trabajo algo timorato como con el temor permanente de no caer en lo inverosímil. El papel de Angie, interpretado por la bella Alice Braga no gravita de manera importante en la trama, parece que el director Mikael Hafstrom no quiso profundizar en ella, por momentos solo parece querer llevar al seminarista a su cama. Por el contrario, el rol de Marta Gastini como Rosaria, la chica atormentada por el espíritu impuro, es muy notorio por la naturaleza misma del personaje, incluso literariamente, no solo su climax es denso sino también la historia que le precede, pero nuevamente no se ahonda al mostrarla.

Desde mi punto de vista, “El Rito” puede quedar como una buena cinta de suspenso psicológico con una destacada actuación de Sir Anthony Hopkins y de Marta Gastini. Como película de terror queda algo distante de “El Exorcista”, de ahí la afirmación de que el terror debe ser un género difícil, no cualquiera hace tan bién... al malo.

El Cisne Negro, las alas de Natalie Portman

Como una de las grandes contendientes de los principales premios de la cinematografía internacional se abre el telón para El Cisne Negro de Darren Aronofsky.

Drama narrado al muy particular estilo de su director, con secuencias a “nivel de cancha” siguiendo muy de cerca la acción descrita, ambientación matizada con tonos descoloridos y sobre todo el seguimiento de la protagonista hasta su más secreta intimidad. Natalie Portman recrea a Nina Sayers, dedicada bailarina de la compañía de Teatro de Nueva York en esta historia. El desempeño de Portman logra meter al espectador a ese permanente estado de ánimo saturado de nerviosismo e inseguridad pero también de la férrea autodisciplina que va construyendo un estado emocional alterno. Como un voyeurista obsesionado, la narración del director te lleva a descubrir a un personaje asolado por sus temores, por su moral supervisada muy de cerca en su entorno familiar, que aunque la lleva de la mano a un nivel privilegiado en el arte del ballet clásico, también la mantiene cautiva en una limitada jaula de prejuicios que le impiden desplegar sus alcances con soltura.

En el Cisne Negro, volvemos a encontrar ese medio ambiente familiar atípico donde falta uno de los padres tal como lo vimos en The Wrestler también de Aronofsky. Tensión, soledad, dolor, son algunos de los ingredientes con los que también sazona a nuestra historia en turno. Nuevamente vemos al protagonista siendo perseguido por las circunstancias de su actividad primaria pero esta vez en foros de teatro y no en los encordados. En esta película, vemos tras bambalinas que el mundo del ballet no es exactamente la delicadeza virginal que vemos al otro lado del foro. La perfección en el desempeño puede llegar a obsesionar al ejecutante al grado de casi ignorar el riesgo y el dolor inherente.

Resulta interesante la trayectoria que Aronofsky le da a este cuento de hadas dramático porque nos presenta dos dimensiones de una misma realidad y como espectador te ves obligado a correr detrás del hilo como gato tras la madeja. A cada momento te preguntas o por lo menos imaginas qué es lo que sigue, aunque pudiera parecer, no es predecible.

Intriga psicológica de buena calidad encabezada de manera muy afortunada por la bella Natalie Portman que en su caracterización deja ver el profesionalismo con el que asumió el compromiso de interpretar a una bailarina profesional con toda su carga de desgaste físico y mental.

El resto del elenco evidencia un marcado soporte al papel de Portman pero muy bién logrado, Barbara Hershey en el papel de Erica Sayers nos permite ver a la madre controladora y rígida en la disciplina de la bailarina, incluso chantajista pero madre al fin.

Otro dos pivotes básicos son el director artístico Thomas Leroy (Vincent Cassel) que es quien pone el reto, motivo de esta trama y por otro lado Lily (Mila Kunis) la bailarina suplente que por razones obvias mete una dosis extra de stress en una ambigua relación con Nina. 

Aunque muy breve me gusta el papel de Wynona Rider como el angel caído en desgracia, esa personalidad de frágil belleza resulta de gran utilidad en el drama contextual.

Más cercana a cine de arte que a blockbuster temporal. Con gusto la vería de nuevo.

The Green Hornet - Seth o no ser-

Una más de superheroes. Esta vez el actor y escritor canadiense Seth Rogen seguramente encontró saldo a favor en sus cuentas bancarias y algo de tiempo libre por lo que se puso a darle vuelo a sus ansias de cineasta y de nuevo poner en la arena de superhéroes de origen comic-tv a Green Hornet y con éste arrancar el 2011 para estos singulares personajes de aventuras que tendrán su cuota en las pantallas para beneplácito de los amantes del género.Cuando aparecieron los primeros trailers de la cinta, a muchos nos extrañó encontrar a un comediante para encarnar a un action-hero, no evitaríamos pensar en el “chapulín colorado” quien ya de por si es una parodia del aristocrático avispón. De cualquier manera, el hecho de ver a Britt Reid encarnado por Seth Rogen nos pone en perspectiva previa sobre el género de esta película. De inicio la mezcla comedia-acción se antoja más en cintas como el súper agente 86, La pantera rosa o Ace Ventura. Desde mi particular punto de vista”The Green Hornet” se quedó atorada en una incómoda indefinición.
El guión está escrito en base a una fórmula predecible, llena de vistosos gadgets (Kato), emocionantes coreografías de combate (Kato), persecuciones rebosantes de adrenalina (Kato) y un maleante hardcore (Chudnofsky) sin dejar de lado a la vistosa secretaria (Leonor Case) que se las puede todas a la más pura esencia de Pepper Potts en Ironman, aunque honestamente me inclino más hacia Gwyneth Paltrow (Pepper) que hacia Cameron Díaz (Leonor), pero claro eso es estricatmente personal.
Tal vez debido a la citada indefinición, el papel de Brit Reid (protagónico) me pareció sobreactuado en más de una escena contrastando con el de Kato o con el de cualquier otro personaje de la película. De hecho Reid parece ser el patiño de Kato que luce como la verdadera estrella, ya que llega a ser más entrañable e incluso carismático que el pretencioso “estelar” que parece ser la única y delgada veta de comedia en la película.
En el casting me gustó mucho ver el desempeño de Jay Chou como Kato, en un papel de alto desempeño físico más que dramático; por supuesto es agradble volver a ver a Christoph Waltz este ganador del Oscar como mejor actor de reparto por su recordado trabajo en Inglourious Basterds en 2009. Ahora, nuevamente recrea a un villano de muy mala entraña pero de misteriosa personalidad.
Por cierto ahora que está por entrar en cartelera “This is not a movie” de Olallo Rubio, también tiene una mínima participación (en the green hornet ) Edward Furlong que estelariza la cinta de Rubio.
También en un papel poco exigente, volvemos a encontrar en la pantalla grande a Edward James Olmos que al igual que el resto de reparto cumple modestamente en una cinta que no será recordada por su exigencia argumental.
Para pasar un rato de ocio con los cuates fans de Bruce Lee, con la novia y hasta con los hijos adolescentes, para aquellos que los tienen en ese rango.